Entrevistas La colección de entrevistas de Rick Owens

Rick Owens sobre la Neurosis de la Moda: Identidad, Envejecimiento y Belleza Alternativa

Bella Freud’s 2024 Neurosis de la Moda la conversación le da a Owens espacio para conectar la ropa con los temas menos ordenados que la rodean: envejecimiento, presentación física, sobriedad, familia, juicio y la forma en que la identidad se asienta en gestos repetidos. Su declaración concisa—“Me gusta un uniforme”—es menos un consejo de estilo que una posición sobre el autoconocimiento.

El uniforme de Owens demuestra que el estilo personal no depende de la novedad constante. Las líneas largas, el calzado severo, las áreas expuestas o comprimidas del cuerpo y una paleta restringida se vuelven más comunicativas a través de la repetición. Los ajustes importan porque la base permanece estable. La ropa se utiliza para aclarar a una persona en lugar de disfrazar la incertidumbre con consumo estacional.

La misma lógica da forma a sus colecciones. Owens ha alterado durante mucho tiempo la ubicación percibida de un hombro, extendido la pierna con tacones y plataformas, expuesto el torso, o permitido que la tela caiga del cuerpo. Su propia presentación física pertenece a esta indagación. El envejecimiento no se trata como algo que ocultar, y la atractividad no se limita a una norma pulida y juvenil. Su discusión sobre su padre, la sobriedad y los juicios que la gente hace sobre los cuerpos mantiene la ropa conectada a la experiencia vivida: el uniforme es tanto disciplina como autorretrato.

Wagner, Porterville e Imaginando Algo Más Grande

En una entrevista de GQ de 2013, se le preguntó a Owens que nombrara la música que lo definía. Eligió Wagner’s Wesendonck Lieder, recordando su fuerza cuando era joven: “Me hizo pensar en algo más grande que donde estaba.” Leído junto a sus relatos posteriores sobre crecer en Porterville, la línea ofrece una clave útil para la carrera que siguió.

Una persona joven en un entorno culturalmente restrictivo descubre, a través de la música, una escala estética más allá de su entorno inmediato. Los Ángeles luego proporciona la educación técnica y la cultura de los forasteros; París proporciona un escenario público. Con el tiempo, la aspiración hacia “algo más grande” se vuelve literal en interiores de concreto, muebles, calzado elevado y presentaciones monumentales en la pasarela. La moda no es meramente una ruta fuera de un lugar. Es un método para imaginar uno más expansivo.

La entrevista cierra con otra negativa compacta: “El estilo no lo es todo.” Owens no está desestimando la apariencia. Está separando la convicción de comprar por el simple hecho de comprar. El estilo tiene fuerza cuando sigue un conjunto establecido de valores; sin esa necesidad, es solo otra forma de adquisición.

Lee la entrevista completa de GQ de 2013.

Drapear como Escritura

Hablando entre bastidores sobre Otoño 2016, Owens describió reducir la colección a un gesto físico: “El drapeado casi se convierte en mi escritura.” La comparación es exacta. Una firma manuscrita sigue siendo identificable a través del movimiento, la presión y el ritmo; la ropa de Owens hace lo mismo a través de la caída de la tela alrededor del cuerpo.

Esta es autoría sin dependencia de un logo visible. Sesgo, torsión, suspensión y asimetría crean un vocabulario de diseño que sobrevive a los cambios en color, material y proporción. Una prenda puede volverse más vaporosa o más armada y aún así retener la misma mano. La repetición, en este contexto, no es un fracaso de la invención. Es cómo un lenguaje gana sintaxis.

La conversación también complica la reducción rutinaria de Rick Owens a la oscuridad. Él llama a la colección más suave, más gentil y más optimista. Esas cualidades no requieren que abandone la severidad. Emergen a través de la transparencia, el movimiento y la sensación de que la ropa se está disolviendo en el espacio que las rodea.

Mira a Rick Owens discutir Otoño 2016 en Vogue.

Más Allá de la Moda: Construyendo un Mundo Completo

Para entender a Rick Owens únicamente a través de la ropa es ver solo una parte del proyecto. Su estética se extiende a muebles, arquitectura, arte y los espacios que habita, a menudo con las mismas proporciones monumentales, materiales severos y un sentido de atmósfera altamente controlado que se encuentra en sus colecciones. En los Objetos de Afecto de Vogue, Owens abre las puertas de su hogar y explica los objetos que ha elegido para rodearse — desde muebles y obras de arte hasta artefactos antiguos — ofreciendo una visión inusualmente íntima de cómo su lenguaje visual existe más allá de la pasarela.

Rick Owens y Michèle Lamy: Una Asociación Creativa

El mundo creativo de Rick Owens no puede entenderse completamente como el trabajo de un diseñador solitario. Michèle Lamy ha estado entrelazada con su desarrollo desde sus años en Los Ángeles, primero como empleadora y colaboradora de Owens y más tarde como su esposa, socia creativa y una presencia singular dentro del universo más amplio de Rick Owens. Su relación es particularmente convincente porque sus identidades siguen siendo tan distintas: Owens a menudo parece controlado y austero, mientras que Lamy aporta una energía instintiva, social y casi ritual a el mundo que han construido a su alrededor.

La entrevista de Sorbet Magazine de 2014 In Bed With ofrece una rara oportunidad de ver a los dos juntos en lugar de encontrar a Lamy meramente como una figura en la biografía de Owens. La intimidad del entorno elimina gran parte de la escala asociada con la pasarela de Rick Owens y revela algo más personal: dos personajes altamente individuales cuyas vidas, entornos y prácticas creativas se han vuelto profundamente interconectadas.

El Cuerpo como Arquitectura

Para la Primavera de 2016, las mujeres llevaron a otras mujeres por la pasarela, sus cuerpos atados entre sí de manera que las extremidades proyectaran de la silueta. Owens describió su tema como “moda de una manera muy física.” La frase importa porque la fuerza del espectáculo provenía tanto de la construcción como del espectáculo: un cuerpo se convirtió en la extensión, soporte y contrapeso de otro.

Owens rechazó una lectura simple de bondage. En su relato, el trabajo concernía la unidad, la maternidad, las mujeres apoyando a las familias, la resiliencia y la gracia bajo presión. Esa interpretación no neutraliza la incomodidad de la imagen; le da estructura a la incomodidad. La silueta está distorsionada, pero la distorsión depende de la confianza y el peso compartido.

Aquí el cuerpo opera como arquitectura. Lleva, refuerza y amplía. El espectáculo hace visible un principio ya presente en el corte de Owens: la ropa puede cambiar los límites aparentes del cuerpo, y los cuerpos pueden a su vez convertirse en material para una forma humana más grande. También coloca la feminidad en la fuerza, la carga y la dependencia mutua en lugar de la pasividad decorativa.

Mira la entrevista entre bastidores de Primavera 2016 en Vogue.

Mirando Atrás: Mujeres Apoyando a Mujeres

La retrospectiva posterior de Vogue sobre el Mejor Espectáculo de Todos los Tiempos es valiosa porque Owens revisita la Primavera de 2016 después de que la controversia inmediata ha pasado. Regresa a una pregunta de larga data—cuánto puede extenderse la ropa lejos del cuerpo—mientras también explica que la propuesta de la pasarela debe eventualmente traducirse en ropa que la gente pueda habitar.

Ese movimiento entre la imagen espectacular y la prenda usable es central en su práctica. La pasarela puede hacer que una idea sea monumental, pero la idea sobrevive solo si sus proporciones, cierres o drapeado pueden ser editados para el uso cotidiano. La lectura retrospectiva de Owens también muestra la moda como una actuación social en lugar de un objeto sellado.

“Going to church is a fashion show,” he says. The point is not that every ritual is frivolous. It is that clothing, grooming, gesture, behaviour and context work together whenever people construct and communicate beauty. A congregation, a courtroom and a runway each choreograph bodies according to shared codes. Owens’s shows expose those codes by making their choreography unusually visible.

Watch the full Vogue retrospective, Women Supporting Women.

Rick Owens y Tim Blanks: Una Conversación Continua

The seasonal conversations between Rick Owens and Tim Blanks are best watched consecutively. Their value lies less in extracting a slogan from either video than in hearing a designer place one collection beside another. Autumn/Winter 2017 and Spring/Summer 2017 share a vocabulary of ceremonial volume, elongated line, purity, protection and forms that appear at once archaic and speculative.

Owens continually edits this vocabulary. A silhouette may become more vertical, a material more yielding, a reference more medieval or a surface more industrial, yet the underlying grammar remains legible. Each season is a revision inside a continuing body of work, not a detached theme invented to fill a calendar.

Porterville, Intolerancia y Belleza Alternativa

Fall/Winter 2024 brought Owens back to Porterville, the California town where he grew up, but the collection was shown inside the Paris home he shares with Michèle Lamy. The setting made the autobiographical turn spatial: guests entered the domestic and working environment from which the broader Rick Owens universe had developed.

In GQ, Owens remembered Porterville through the intolerance he experienced there. He connected that history directly to his aesthetic practice: “When you can blur the standards of beauty, you can open up minds…” It is one of his clearest statements about the ethical dimension of form.

Exaggerated proportions, unconventional casting and bodies outside luxury fashion’s narrow defaults are often described as provocation. Owens proposes something more exact. An alternative silhouette can loosen an accepted standard; once one standard becomes negotiable, others may follow. This does not make a platform boot or inflated coat a political solution. It makes aesthetics a daily site where tolerance can be rehearsed.

The intimacy of Porterville also clarifies why autobiography has become more explicit in his later work. Places, family memory, Michèle Lamy and the architecture of home are not background details. They are working material. RAW Looks explored this interdependence of clothes, space and biography in Rick Owens: Temple of Love.

Read GQ’s Fall/Winter 2024 Porterville interview.

De Porterville a Hollywood: El Individuo se Convierte en el Colectivo

Spring/Summer 2025, titled Hollywood, reversed Porterville’s scale. Where the earlier presentation was domestic, inward-looking and restricted by the dimensions of Owens and Lamy’s home, Hollywood returned to the Palais de Tokyo with exactly 200 participants. Ten looks were repeated across twenty bodies each, transforming casting into composition.

The multiplication changes how repetition reads. A look is no longer an isolated proposition advancing down a runway; it becomes a unit inside a larger structure. Different shapes and sizes remain visible, but together the cast produces the monument. Owens described the practical challenge as accommodating every body type while retaining a recognisable Rick Owens look.

This collective performance extends the question posed in Spring 2016. Which bodies may fashion render monumental, beautiful or powerful? The answer here is not delivered through a token exception within conventional casting. Scale itself belongs to the participants. Their coordinated movement turns a runway audience into witnesses to a temporary public body.

The sequence from Porterville to Hollywood also reveals a movement from personal memory toward community: the individual history remains the source, but the visual language becomes capacious enough for others to occupy it. The Spring/Summer 2026 Temple collection would continue this use of water, architecture and collective ritual.

Read GQ’s backstage report on the 200-person Hollywood show.

Por qué Rick Owens Sigue Siendo Inspirador

Independence. Owens has built a globally significant house without allowing its identity to dissolve into the general rhythm of luxury fashion. The interviews show the practical side of that independence: knowing what to refuse, accepting repetition and protecting the conditions in which a precise body of work can continue.

Craft. Before the grand spaces and runway performances, there was pattern cutting. Owens trained to make patterns and spent years working as a patternmaker in Los Angeles, including for Lamy. That history matters. The sculptural authority of the clothes is grounded in an understanding of how fabric is cut, balanced and made to act on a body.

Repetition. The personal uniform and recurring runway silhouettes make the same argument. Repetition can deepen identity when it remains attentive. A sleeve, shoulder, hem or drape is returned to because it still contains possibilities.

Alternative beauty. Owens repeatedly proposes bodies and proportions outside conventional luxury ideals. This is central to his place in the history of avant-garde fashion: formal experiment becomes a way to question who is permitted to appear elegant, desirable or commanding. For readers new to the term, RAW Looks’ guide to what avant-garde fashion means places that challenge in a wider context.

Autobiography and discipline. Porterville, Los Angeles, Michèle Lamy, a Catholic upbringing, music, architecture, physicality and aging repeatedly enter the work. Yet the interviews resist romanticising Owens as a purely decadent outsider. Beneath the spectacle is early rising, technical labour, editing and the discipline of maintaining a language across decades.

Constructing a world. Rick Owens did more than develop a recognisable fashion style. He gradually created an environment in which his values, aesthetic preferences, bodies, objects, architecture, music and communities could coexist. That may be his most transferable lesson for other creative people: a coherent world is built through the patient accumulation of related decisions.

The most compelling quality revealed by listening to Owens over many years is continuity. The young person who heard in Wagner the possibility of something larger eventually made that larger environment tangible, then opened it to a collective. The darkness is real, but so are humour, tenderness, vulnerability and an insistent optimism about the possibility of other forms.

This page is intended as an evolving archive. It will be expanded as substantial new Rick Owens interviews appear. Until then, these conversations offer an unusually direct record of how an independent fashion language is made, repeated and enlarged. For its continuing expression, see RAW Looks’ guide to modern avant-garde fashion.