مقابلات مجموعة مقابلات ريك أوينز

ريك أوينز عن جنون الموضة: الهوية، الشيخوخة والجمال البديل

بيلا فرويد 2024 جنون الموضة تتيح المحادثة لأوينز ربط الملابس بالمواضيع الأقل ترتيبًا حولها: الشيخوخة، العرض الجسدي، الاعتدال، العائلة، الحكم والطريقة التي تستقر بها الهوية في الإيماءات المتكررة. بيانه الموجز - “أحب الزي الموحد” - هو أقل نصيحة في الأسلوب من كونه موقفًا حول معرفة الذات.

يوضح زي أوينز الموحد أن الأسلوب الشخصي لا يعتمد على التجديد المستمر. تصبح الخطوط الطويلة، الأحذية القاسية، المناطق المكشوفة أو المضغوطة من الجسم ولوحة الألوان المقيدة أكثر تواصلًا من خلال التكرار. التعديلات مهمة لأن الأساس يبقى ثابتًا. تُستخدم الملابس لتوضيح الشخص بدلاً من إخفاء عدم اليقين بالاستهلاك الموسمي.

نفس المنطق يشكل مجموعاته. لقد قام أوينز منذ فترة طويلة بتغيير الموقع المدرك للكتف، ومد الساق بالكعب والمنصات، وكشف الجذع، أو السماح للقماش بالسقوط بعيدًا عن الجسم. تقديمه الجسدي الخاص ينتمي إلى هذا الاستفسار. لا يُعتبر الشيخوخة شيئًا يجب إخفاؤه، والجاذبية ليست محصورة في معيار مصقول وشاب. مناقشته لوالده، الاعتدال والأحكام التي يطلقها الناس على الأجساد تبقي الملابس مرتبطة بالتجربة الحياتية: الزي الموحد هو كل من الانضباط وصورة الذات.

فاغنر، بورتيرفيل وتخيل شيء أكبر

في مقابلة مع GQ في 2013، سُئل أوينز عن الموسيقى التي عرّفته. اختار "فاغنر"، ويسندونك ليدر, مسترجعًا قوتها عندما كان صغيرًا: “جعلني أفكر في شيء أكبر من المكان الذي كنت فيه.” قراءة بجانب حساباته اللاحقة عن نشأته في بورتيرفيل، تقدم الجملة مفتاحًا مفيدًا للمسيرة التي تلت.

يكتشف شاب في بيئة ثقافية مقيدة، من خلال الموسيقى، مقياس جمالي يتجاوز محيطه المباشر. ثم توفر لوس أنجلوس التعليم الفني والثقافة الخارجية؛ بينما توفر باريس مسرحًا عامًا. مع مرور الوقت، يصبح الطموح نحو “شيء أكبر” حرفيًا في الداخل الخرساني، الأثاث، الأحذية المرتفعة والعروض الضخمة على المدرج. الموضة ليست مجرد طريق للخروج من مكان ما. إنها وسيلة لتخيل مكان أكثر اتساعًا.

تغلق المقابلة برفض آخر مختصر: “الأسلوب ليس كل شيء.” لا يرفض أوينز المظهر. إنه يفصل القناعة عن التسوق لمجرد التسوق. يمتلك الأسلوب قوة عندما يتبع مجموعة من القيم الراسخة؛ بدون تلك الضرورة، يصبح مجرد شكل آخر من أشكال الاستحواذ.

اقرأ المقابلة الكاملة مع GQ في 2013.

التصميم كخط يد

عند الحديث خلف الكواليس عن خريف 2016، وصف أوينز تقليص المجموعة إلى إيماءة جسدية: “التصميم يصبح تقريبًا مثل خط يدي.” المقارنة دقيقة. تظل التوقيع المكتوب قابلاً للتعرف من خلال الحركة، الضغط والإيقاع؛ ملابس أوينز تفعل الشيء نفسه من خلال سقوط القماش حول الجسم.

هذا هو التأليف دون الاعتماد على شعار مرئي. تخلق الانحراف، الالتواء، التعليق وعدم التماثل معجم تصميم يبقى على قيد الحياة من خلال تغييرات في اللون، المادة والنسبة. يمكن أن تصبح قطعة الملابس أكثر بخارًا أو أكثر درعًا وما زالت تحتفظ بنفس اليد. التكرار، في هذا السياق، ليس فشلًا في الاختراع. إنها الطريقة التي تكتسب بها اللغة تركيبها.

تُعقد المحادثة أيضًا تعقيد الروتين الذي يقلل ريك أوينز إلى الظلام. يسمي المجموعة أكثر نعومة، ولطفًا وتفاؤلاً. لا تتطلب تلك الصفات منه التخلي عن الشدة. تظهر من خلال الشفافية، الحركة والإحساس بأن الملابس تذوب في الفضاء من حولها.

شاهد ريك أوينز يناقش خريف 2016 في فوغ.

ما وراء الموضة: بناء عالم كامل

لفهم ريك أوينز فقط من خلال الملابس هو رؤية جزء فقط من المشروع. تمتد جماليته إلى الأثاث، العمارة، الفن والأماكن التي يسكنها، غالبًا بنفس النسب الضخمة، المواد القاسية والإحساس العالي بالجو الموجود في مجموعاته. في "أشياء فوغ المحبوبة"، يفتح أوينز أبواب منزله ويشرح الأشياء التي اختار أن يحيط نفسه بها - من الأثاث والأعمال الفنية إلى القطع الأثرية القديمة - مما يقدم رؤية غير عادية عن كيفية وجود لغته البصرية خارج المدرج.

ريك أوينز وميشيل لامي: شراكة إبداعية

لا يمكن فهم العالم الإبداعي لريك أوينز بالكامل كعمل مصمم منفرد. لقد كانت ميشيل لامي مرتبطة بتطوره منذ سنواتهم في لوس أنجلوس، أولاً كصاحبة عمل أوينز ومتعاونته ولاحقًا كزوجته، شريكته الإبداعية ووجود فريد ضمن عالم ريك أوينز الأوسع. علاقتهم مثيرة للاهتمام بشكل خاص لأن هوياتهم تظل متميزة جدًا: غالبًا ما يبدو أوينز مسيطرًا وجادًا، بينما تجلب لامي طاقة غريزية واجتماعية تقريبًا طقوسية إلى العالم الذي بنوه حولهم.

تقدم مقابلة مجلة سوربيه لعام 2014 "في السرير مع" فرصة نادرة لمشاهدة الاثنين معًا بدلاً من مواجهة لامي فقط كشخصية في سيرة أوينز. تزيل حميمية المكان الكثير من المقياس المرتبط بمدرج ريك أوينز وتكشف عن شيء أكثر شخصية: شخصيتان فرديتان للغاية أصبحت حياتهما، بيئاتهما وممارساتهما الإبداعية مترابطة بعمق.

الجسد كعمارة

في ربيع 2016، حملت النساء نساءً أخريات على المدرج، حيث كانت أجسادهن مربوطة معًا بحيث تبرز الأطراف من الشكل. وصف أوينز موضوعه بأنه “موضة بطريقة جسدية جدًا.” العبارة مهمة لأن قوة العرض جاءت من البناء بقدر ما جاءت من العرض: أصبح جسم واحد امتدادًا، دعمًا ووزنًا مضادًا لجسم آخر.

رفض أوينز قراءة بسيطة للربط. في حسابه، كانت العمل تتعلق بالوحدة، والإنجاب، ودعم النساء للعائلات، والمرونة والنعمة تحت الضغط. لا تلغي تلك التفسير عدم الارتياح في الصورة؛ بل تعطي عدم الارتياح هيكلًا. الشكل مشوه، لكن التشويه يعتمد على الثقة والوزن المشترك.

هنا يعمل الجسم كعمارة. يحمل، يدعم ويكبر. تجعل العرض مبدأً مرئيًا موجودًا بالفعل في قطع أوينز: يمكن أن تغير الملابس الحدود الظاهرة للجسم، ويمكن أن تصبح الأجساد بدورها مادة لشكل إنساني أكبر. كما أنها تضع الأنوثة في القوة، العبء والاعتماد المتبادل بدلاً من السلبية الزخرفية.

شاهد مقابلة خلف الكواليس لخريف 2016 في فوغ.

نظرة إلى الوراء: النساء يدعمن النساء

تعتبر نظرة فوغ اللاحقة أفضل عرض على الإطلاق قيمة لأنها تعيد زيارة ربيع 2016 بعد أن مرت الجدل الفوري. يعود إلى سؤال طويل الأمد - إلى أي مدى يمكن أن تمتد الملابس بعيدًا عن الجسم - بينما يشرح أيضًا أن اقتراح المدرج يجب أن يُترجم في النهاية إلى ملابس يمكن للناس السكن فيها.

تلك الحركة بين الصورة الرائعة والملابس القابلة للارتداء مركزية لممارسته. يمكن أن يجعل المدرج فكرة ضخمة، لكن الفكرة تبقى فقط إذا كانت نسبها، إغلاقاتها أو تصميمها يمكن تعديلها للاستخدام اليومي. كما تُظهر قراءة أوينز الاستعادية الموضة كأداء اجتماعي بدلاً من كائن مغلق.

“Going to church is a fashion show,” he says. The point is not that every ritual is frivolous. It is that clothing, grooming, gesture, behaviour and context work together whenever people construct and communicate beauty. A congregation, a courtroom and a runway each choreograph bodies according to shared codes. Owens’s shows expose those codes by making their choreography unusually visible.

Watch the full Vogue retrospective, Women Supporting Women.

ريك أوينز وتيم بلانكس: محادثة مستمرة

The seasonal conversations between Rick Owens and Tim Blanks are best watched consecutively. Their value lies less in extracting a slogan from either video than in hearing a designer place one collection beside another. Autumn/Winter 2017 and Spring/Summer 2017 share a vocabulary of ceremonial volume, elongated line, purity, protection and forms that appear at once archaic and speculative.

Owens continually edits this vocabulary. A silhouette may become more vertical, a material more yielding, a reference more medieval or a surface more industrial, yet the underlying grammar remains legible. Each season is a revision inside a continuing body of work, not a detached theme invented to fill a calendar.

بورتيرفيل، عدم التسامح والجمال البديل

Fall/Winter 2024 brought Owens back to Porterville, the California town where he grew up, but the collection was shown inside the Paris home he shares with Michèle Lamy. The setting made the autobiographical turn spatial: guests entered the domestic and working environment from which the broader Rick Owens universe had developed.

In GQ, Owens remembered Porterville through the intolerance he experienced there. He connected that history directly to his aesthetic practice: “When you can blur the standards of beauty, you can open up minds…” It is one of his clearest statements about the ethical dimension of form.

Exaggerated proportions, unconventional casting and bodies outside luxury fashion’s narrow defaults are often described as provocation. Owens proposes something more exact. An alternative silhouette can loosen an accepted standard; once one standard becomes negotiable, others may follow. This does not make a platform boot or inflated coat a political solution. It makes aesthetics a daily site where tolerance can be rehearsed.

The intimacy of Porterville also clarifies why autobiography has become more explicit in his later work. Places, family memory, Michèle Lamy and the architecture of home are not background details. They are working material. RAW Looks explored this interdependence of clothes, space and biography in Rick Owens: Temple of Love.

Read GQ’s Fall/Winter 2024 Porterville interview.

من بورتيرفيل إلى هوليوود: الفرد يصبح جماعياً

Spring/Summer 2025, titled Hollywood, reversed Porterville’s scale. Where the earlier presentation was domestic, inward-looking and restricted by the dimensions of Owens and Lamy’s home, Hollywood returned to the Palais de Tokyo with exactly 200 participants. Ten looks were repeated across twenty bodies each, transforming casting into composition.

The multiplication changes how repetition reads. A look is no longer an isolated proposition advancing down a runway; it becomes a unit inside a larger structure. Different shapes and sizes remain visible, but together the cast produces the monument. Owens described the practical challenge as accommodating every body type while retaining a recognisable Rick Owens look.

This collective performance extends the question posed in Spring 2016. Which bodies may fashion render monumental, beautiful or powerful? The answer here is not delivered through a token exception within conventional casting. Scale itself belongs to the participants. Their coordinated movement turns a runway audience into witnesses to a temporary public body.

The sequence from Porterville to Hollywood also reveals a movement from personal memory toward community: the individual history remains the source, but the visual language becomes capacious enough for others to occupy it. The Spring/Summer 2026 Temple collection would continue this use of water, architecture and collective ritual.

Read GQ’s backstage report on the 200-person Hollywood show.

لماذا لا يزال ريك أوينز ملهمًا

Independence. Owens has built a globally significant house without allowing its identity to dissolve into the general rhythm of luxury fashion. The interviews show the practical side of that independence: knowing what to refuse, accepting repetition and protecting the conditions in which a precise body of work can continue.

Craft. Before the grand spaces and runway performances, there was pattern cutting. Owens trained to make patterns and spent years working as a patternmaker in Los Angeles, including for Lamy. That history matters. The sculptural authority of the clothes is grounded in an understanding of how fabric is cut, balanced and made to act on a body.

Repetition. The personal uniform and recurring runway silhouettes make the same argument. Repetition can deepen identity when it remains attentive. A sleeve, shoulder, hem or drape is returned to because it still contains possibilities.

Alternative beauty. Owens repeatedly proposes bodies and proportions outside conventional luxury ideals. This is central to his place in the history of avant-garde fashion: formal experiment becomes a way to question who is permitted to appear elegant, desirable or commanding. For readers new to the term, RAW Looks’ guide to what avant-garde fashion means places that challenge in a wider context.

Autobiography and discipline. Porterville, Los Angeles, Michèle Lamy, a Catholic upbringing, music, architecture, physicality and aging repeatedly enter the work. Yet the interviews resist romanticising Owens as a purely decadent outsider. Beneath the spectacle is early rising, technical labour, editing and the discipline of maintaining a language across decades.

Constructing a world. Rick Owens did more than develop a recognisable fashion style. He gradually created an environment in which his values, aesthetic preferences, bodies, objects, architecture, music and communities could coexist. That may be his most transferable lesson for other creative people: a coherent world is built through the patient accumulation of related decisions.

The most compelling quality revealed by listening to Owens over many years is continuity. The young person who heard in Wagner the possibility of something larger eventually made that larger environment tangible, then opened it to a collective. The darkness is real, but so are humour, tenderness, vulnerability and an insistent optimism about the possibility of other forms.

This page is intended as an evolving archive. It will be expanded as substantial new Rick Owens interviews appear. Until then, these conversations offer an unusually direct record of how an independent fashion language is made, repeated and enlarged. For its continuing expression, see RAW Looks’ guide to modern avant-garde fashion.