Interviews Die Rick Owens Interview Kollektion

Rick Owens über Mode-Neurose: Identität, Alterung und alternative Schönheit

Bella Freuds 2024 Mode-Neurose Das Gespräch gibt Owens Raum, Kleidung mit den weniger ordentlichen Themen darum herum zu verbinden: Alterung, körperliche Präsentation, Nüchternheit, Familie, Urteil und die Art und Weise, wie Identität sich in wiederholten Gesten festigt. Seine prägnante Aussage – “Ich mag eine Uniform” – ist weniger ein Styling-Tipp als eine Position zur Selbstkenntnis.

Owens' Uniform zeigt, dass persönlicher Stil nicht von ständiger Neuheit abhängt. Lange Linien, strenge Schuhe, exponierte oder komprimierte Körperbereiche und eine eingeschränkte Farbpalette werden durch Wiederholung kommunikativer. Die Anpassungen sind wichtig, weil die Basis stabil bleibt. Kleidung wird verwendet, um eine Person zu klären, anstatt Unsicherheit mit saisonalem Konsum zu verbergen.

Die gleiche Logik prägt seine Kollektionen. Owens hat lange die wahrgenommene Position einer Schulter verändert, das Bein mit Absätzen und Plattformen verlängert, den Oberkörper freigelegt oder den Stoff vom Körper fallen lassen. Seine eigene körperliche Präsentation gehört zu dieser Untersuchung. Alterung wird nicht als etwas behandelt, das man verbergen muss, und Attraktivität ist nicht auf einen polierten, jugendlichen Norm beschränkt. Seine Diskussion über seinen Vater, Nüchternheit und die Urteile, die Menschen über Körper fällen, hält die Kleidung an gelebte Erfahrungen gebunden: die Uniform ist sowohl Disziplin als auch Selbstporträt.

Wagner, Porterville und die Vorstellung von etwas Größerem

In einem GQ-Interview von 2013 wurde Owens gefragt, welche Musik ihn definiert. Er wählte Wagners "Wesendonck Lieder" und erinnerte sich an ihre Kraft, als er jung war: "Es ließ mich über etwas Größeres nachdenken als über den Ort, an dem ich war." Neben seinen späteren Berichten über das Aufwachsen in Porterville bietet die Zeile einen nützlichen Schlüssel zu der Karriere, die folgte. Eine junge Person in einer kulturell restriktiven Umgebung entdeckt durch Musik eine ästhetische Skala, die über ihre unmittelbare Umgebung hinausgeht. Los Angeles liefert dann die technische Ausbildung und die Outsider-Kultur; Paris bietet eine öffentliche Bühne. Im Laufe der Zeit wird das Streben nach "etwas Größerem" konkret in Beton-Innenräumen, Möbeln, erhöhten Schuhen und monumentalen Laufstegpräsentationen. Mode ist nicht nur ein Weg hinaus aus einem Ort. Es ist eine Methode, um sich einen expansiveren vorzustellen., Das Interview schließt mit einer weiteren kompakten Ablehnung: “Stil ist nicht alles.” Owens weist das Erscheinungsbild nicht zurück. Er trennt Überzeugung vom Einkaufen um des Einkaufens willen. Stil hat Kraft, wenn er einem etablierten Wertesystem folgt; ohne diese Notwendigkeit ist er nur eine weitere Form des Erwerbs.

Lies das vollständige GQ-Interview von 2013.

Im Backstage-Gespräch über den Herbst 2016 beschrieb Owens, die Kollektion auf eine physische Geste zu reduzieren: “Das Drapieren wird fast wie meine Handschrift.” Der Vergleich ist genau. Eine handschriftliche Unterschrift bleibt durch Bewegung, Druck und Rhythmus erkennbar; Owens' Kleidung tut dasselbe durch den Fall des Stoffes um den Körper.

Dies ist Autorschaft ohne Abhängigkeit von einem sichtbaren Logo. Schräg, Drehung, Aufhängung und Asymmetrie schaffen ein Designvokabular, das Farb-, Material- und Proportionsänderungen übersteht. Ein Kleidungsstück kann vaporöser oder gepanzerter werden und dennoch die gleiche Hand behalten. Wiederholung ist in diesem Kontext kein Mangel an Erfindung. Es ist, wie eine Sprache Syntax gewinnt..

Drapieren wie Handschrift

Das Gespräch kompliziert auch die routinemäßige Reduktion von Rick Owens auf Dunkelheit. Er bezeichnet die Kollektion als weicher, sanfter und optimistischer. Diese Qualitäten erfordern nicht, dass er Strenge aufgibt. Sie entstehen durch Transparenz, Bewegung und das Gefühl, dass die Kleidung in den Raum um sie herum aufgelöst wird.

Sieh dir an, wie Rick Owens über den Herbst 2016 bei Vogue spricht.

Um Rick Owens ausschließlich durch Kleidung zu verstehen, sieht man nur einen Teil des Projekts. Seine Ästhetik erstreckt sich auf Möbel, Architektur, Kunst und die Räume, die er bewohnt, oft mit den gleichen monumentalen Proportionen, strengen Materialien und einem stark kontrollierten Gefühl für Atmosphäre, wie sie in seinen Kollektionen zu finden sind. In Vogues "Objects of Affection" öffnet Owens die Türen zu seinem Zuhause und erklärt die Objekte, die er ausgewählt hat, um sich zu umgeben – von Möbeln und Kunstwerken bis hin zu antiken Artefakten – und bietet einen ungewöhnlich intimen Einblick, wie seine visuelle Sprache über den Laufsteg hinaus existiert.

Rick Owens lädt Vogue in sein Zuhause ein, wo Möbel, Kunst und gesammelte Objekte zeigen, wie seine kreative Sprache weit über die Mode hinausgeht..

Jenseits der Mode: Eine vollständige Welt aufbauen

Was den Film besonders aufschlussreich macht, ist die Konsistenz zwischen diesen Objekten und Owens' Mode. Seine Umgebung fühlt sich nicht wie eine separate Sammlung von Designreferenzen an, die um einen erfolgreichen Designer versammelt sind; sie fühlt sich wie ein weiterer Ausdruck des gleichen Vokabulars an. Möbel werden skulptural und körperlich, Haushaltsgegenstände erhalten rituelles Gewicht, und historische Stücke koexistieren mit strengen zeitgenössischen Formen. Die Grenzen zwischen Modedesigner, Möbeldesigner, Sammler und Bildmacher werden zunehmend schwierig – und vielleicht unnötig – zu definieren.

Rick Owens & Michèle Lamy: Eine kreative Partnerschaft

Rick Owens und Michèle Lamy im Gespräch mit Sorbet Magazine für In Bed With: Back to Black, 2014, bieten einen intimen Einblick in die kreative und persönliche Partnerschaft hinter ihrer gemeinsamen Welt.

Was entsteht, ist auch ein wichtiger Gegenpol zur Mythologie des einsamen Modedesigners. Das Rick Owens-Universum hat einen unverwechselbaren Autor, aber es hat sich nie isoliert entwickelt. Lamy hat eine grundlegende Rolle in der Kultur rund um das Haus gespielt, insbesondere durch Möbel, Räume, Kooperationen und das Netzwerk von Künstlern, Musikern und unkonventionellen Persönlichkeiten, die es umkreisen. Ihre Partnerschaft zeigt, wie eine starke kreative Identität durch Austausch geformt werden kann, ohne dadurch verwässert zu werden.

Der Körper als Architektur

Hier funktioniert der Körper als Architektur. Er trägt, stützt und vergrößert. Die Show macht ein Prinzip sichtbar, das bereits in Owens“ Schnitt vorhanden ist: Kleidung kann die scheinbaren Grenzen des Körpers verändern, und Körper können wiederum Material für eine größere menschliche Form werden. Sie platziert auch Weiblichkeit in Stärke, Last und gegenseitiger Abhängigkeit, anstatt in dekorativer Passivität.

Sieh dir das Backstage-Interview zum Frühling 2016 bei Vogue an.

Vogues spätere "Best Show Ever"-Retrospektive ist wertvoll, weil Owens den Frühling 2016 erneut betrachtet, nachdem die unmittelbare Kontroverse vergangen ist. Er kehrt zu einer langjährigen Frage zurück – wie weit Kleidung sich vom Körper entfernen kann – während er auch erklärt, dass der Laufstegvorschlag letztendlich in Kleidung übersetzt werden muss, die die Menschen tragen können.

Diese Bewegung zwischen spektakulärem Bild und tragbarem Kleidungsstück ist zentral für seine Praxis. Der Laufsteg kann eine Idee monumental machen, aber die Idee überlebt nur, wenn ihre Proportionen, Verschlüsse oder Drapierungen in den Alltag bearbeitet werden können. Owens' rückblickende Betrachtung zeigt auch Mode als soziale Aufführung und nicht als versiegeltes Objekt..

Rückblick: Frauen unterstützen Frauen

Vogues Rückblick Beste Show aller Zeiten Der Rückblick ist wertvoll, weil Owens den Frühling 2016 nach der unmittelbaren Kontroverse erneut betrachtet. Er kehrt zu einer langjährigen Frage zurück – wie weit Kleidung sich vom Körper entfernen kann – und erklärt gleichzeitig, dass der Laufstegvorschlag letztendlich in Kleidung übersetzt werden muss, die Menschen tragen können.

Die Bewegung zwischen spektakulärem Bild und tragbarem Kleidungsstück steht im Mittelpunkt seiner Praxis. Der Laufsteg kann eine Idee monumental machen, aber die Idee überlebt nur, wenn ihre Proportionen, Verschlüsse oder Drapierungen in den Alltag übersetzt werden können. Owens’ rückblickende Betrachtung zeigt auch Mode als soziale Performance und nicht als versiegeltes Objekt.

“In die Kirche zu gehen ist eine Modeschau”, sagt er. Es geht nicht darum, dass jedes Ritual frivol ist. Es geht darum, dass Kleidung, Pflege, Gesten, Verhalten und Kontext zusammenwirken, wann immer Menschen Schönheit konstruieren und kommunizieren. Eine Gemeinde, ein Gerichtssaal und ein Laufsteg choreografieren Körper jeweils nach gemeinsamen Codes. Owens’ Shows legen diese Codes offen, indem sie ihre Choreografie ungewöhnlich sichtbar machen.

Sieh dir den vollständigen Vogue-Rückblick an, Frauen unterstützen Frauen.

Rick Owens und Tim Blanks: Ein fortlaufendes Gespräch

Die saisonalen Gespräche zwischen Rick Owens und Tim Blanks sollten am besten nacheinander angesehen werden. Ihr Wert liegt weniger darin, einen Slogan aus einem der Videos zu extrahieren, als darin, einen Designer zu hören, der eine Kollektion neben einer anderen platziert. Herbst/Winter 2017 und Frühling/Sommer 2017 teilen sich ein Vokabular von zeremoniösem Volumen, verlängerten Linien, Reinheit, Schutz und Formen, die gleichzeitig archaisch und spekulativ erscheinen.

Owens bearbeitet dieses Vokabular kontinuierlich. Eine Silhouette kann vertikaler werden, ein Material nachgiebiger, ein Verweis mittelalterlicher oder eine Oberfläche industrieller, doch die zugrunde liegende Grammatik bleibt lesbar. Jede Saison ist eine Überarbeitung innerhalb eines fortlaufenden Werkes, kein abgetrenntes Thema, das erfunden wurde, um einen Kalender zu füllen.

Porterville, Intoleranz und alternative Schönheit

Herbst/Winter 2024 brachte Owens zurück nach Porterville, die kalifornische Stadt, in der er aufgewachsen ist, aber die Kollektion wurde in dem Pariser Zuhause gezeigt, das er mit Michèle Lamy teilt. Der Rahmen machte die autobiografische Wendung räumlich: Die Gäste betraten die häusliche und berufliche Umgebung, aus der das breitere Rick Owens-Universum hervorgegangen war.

In GQ erinnerte sich Owens an Porterville durch die Intoleranz, die er dort erlebte. Er verband diese Geschichte direkt mit seiner ästhetischen Praxis: “Wenn du die Standards von Schönheit verwischen kannst, kannst du die Köpfe öffnen…” Es ist eine seiner klarsten Aussagen über die ethische Dimension der Form.

Übertriebene Proportionen, unkonventionelle Besetzungen und Körper außerhalb der engen Standards der Luxusmode werden oft als Provokation beschrieben. Owens schlägt etwas Genaueres vor. Eine alternative Silhouette kann einen akzeptierten Standard lockern; sobald ein Standard verhandelbar wird, können andere folgen. Das macht einen Plateauboot oder einen aufgeblasenen Mantel nicht zu einer politischen Lösung. Es macht Ästhetik zu einem täglichen Ort, an dem Toleranz geübt werden kann.

Die Intimität von Porterville verdeutlicht auch, warum Autobiografie in seinem späteren Werk expliziter geworden ist. Orte, Familienerinnerungen, Michèle Lamy und die Architektur des Zuhauses sind keine Hintergrunddetails. Sie sind Arbeitsmaterial. RAW Looks erkundete diese Interdependenz von Kleidung, Raum und Biografie in Rick Owens: Tempel der Liebe.

Lies GQs Herbst/Winter 2024 Porterville-Interview.

Von Porterville nach Hollywood: Das Individuum wird zum Kollektiv

Frühling/Sommer 2025, betitelt Hollywood, kehrte Portervilles Maßstab um. Wo die frühere Präsentation häuslich, nach innen gerichtet und durch die Dimensionen von Owens und Lamys Zuhause eingeschränkt war, kehrte Hollywood mit genau 200 Teilnehmern zum Palais de Tokyo zurück. Zehn Looks wurden über zwanzig Körper hinweg wiederholt, wodurch die Besetzung in eine Komposition verwandelt wurde.

Die Vervielfachung verändert, wie Wiederholung wahrgenommen wird. Ein Look ist nicht mehr ein isolierter Vorschlag, der über einen Laufsteg schreitet; er wird zu einer Einheit innerhalb einer größeren Struktur. Verschiedene Formen und Größen bleiben sichtbar, aber zusammen produziert die Besetzung das Monument. Owens beschrieb die praktische Herausforderung, jeden Körpertyp unterzubringen und gleichzeitig einen erkennbaren Rick Owens-Look zu bewahren.

Diese kollektive Performance erweitert die Frage, die im Frühling 2016 aufgeworfen wurde. Welche Körper kann Mode monumental, schön oder mächtig machen? Die Antwort hier wird nicht durch eine tokenhafte Ausnahme innerhalb der konventionellen Besetzung geliefert. Der Maßstab selbst gehört den Teilnehmern. Ihre koordinierte Bewegung verwandelt ein Laufstegpublikum in Zeugen eines temporären öffentlichen Körpers.

Die Sequenz von Porterville nach Hollywood offenbart auch eine Bewegung von persönlicher Erinnerung hin zur Gemeinschaft: Die individuelle Geschichte bleibt die Quelle, aber die visuelle Sprache wird weit genug, damit andere sie besetzen können. Die Frühling/Sommer 2026 Tempelkollektion würde diese Nutzung von Wasser, Architektur und kollektivem Ritual fortsetzen.

Lies GQs Backstage-Bericht über die 200-Personen Hollywood-Show.

Warum Rick Owens inspirierend bleibt

Unabhängigkeit. Owens hat ein global bedeutendes Haus aufgebaut, ohne seine Identität in den allgemeinen Rhythmus der Luxusmode aufzulösen. Die Interviews zeigen die praktische Seite dieser Unabhängigkeit: zu wissen, was man ablehnen sollte, Wiederholung zu akzeptieren und die Bedingungen zu schützen, unter denen ein präzises Werk fortgesetzt werden kann.

Handwerk. Vor den großen Räumen und Laufstegaufführungen gab es das Schnittmuster. Owens hat gelernt, Muster zu erstellen und verbrachte Jahre als Schnittmacher in Los Angeles, unter anderem für Lamy. Diese Geschichte ist wichtig. Die skulpturale Autorität der Kleidung ist in einem Verständnis verwurzelt, wie Stoff geschnitten, balanciert und dazu gebracht wird, auf einen Körper zu wirken.

Wiederholung. Die persönliche Uniform und die wiederkehrenden Laufstegsiluetten machen dasselbe Argument. Wiederholung kann die Identität vertiefen, wenn sie aufmerksam bleibt. Ein Ärmel, eine Schulter, ein Saum oder eine Drapierung wird immer wieder aufgegriffen, weil sie weiterhin Möglichkeiten enthält.

Alternative Schönheit. Owens schlägt wiederholt Körper und Proportionen außerhalb konventioneller Luxusideale vor. Das ist zentral für seinen Platz in der Geschichte der avantgardistischen Mode: formale Experimente werden zu einem Weg, um zu hinterfragen, wer als elegant, begehrenswert oder mächtig gelten darf. Für Leser, die mit dem Begriff nicht vertraut sind, stellt RAW Looks’ Leitfaden zu was avantgardistische Mode bedeutet diese Herausforderung in einem breiteren Kontext dar.

Autobiografie und Disziplin. Porterville, Los Angeles, Michèle Lamy, eine katholische Erziehung, Musik, Architektur, Körperlichkeit und Alterung treten immer wieder in die Arbeit ein. Doch die Interviews widerstehen der Romantisierung von Owens als rein dekadentem Außenseiter. Unter dem Spektakel stehen frühes Aufstehen, technische Arbeit, Bearbeitung und die Disziplin, über Jahrzehnte eine Sprache aufrechtzuerhalten.

Eine Welt erschaffen. Rick Owens hat mehr getan, als einen erkennbaren Modestil zu entwickeln. Er hat allmählich eine Umgebung geschaffen, in der seine Werte, ästhetischen Vorlieben, Körper, Objekte, Architektur, Musik und Gemeinschaften koexistieren können. Das könnte seine übertragbarste Lektion für andere Kreative sein: Eine kohärente Welt wird durch die geduldige Ansammlung verwandter Entscheidungen aufgebaut.

Die überzeugendste Qualität, die sich zeigt, wenn man Owens über viele Jahre zuhört, ist die Kontinuität. Die junge Person, die in Wagner die Möglichkeit von etwas Größerem hörte, machte schließlich diese größere Umgebung greifbar und öffnete sie dann für eine Gemeinschaft. Die Dunkelheit ist real, aber ebenso sind Humor, Zärtlichkeit, Verwundbarkeit und ein beharrlicher Optimismus über die Möglichkeit anderer Formen.

Diese Seite ist als sich entwickelndes Archiv gedacht. Sie wird erweitert, sobald wesentliche neue Rick Owens-Interviews erscheinen. Bis dahin bieten diese Gespräche einen ungewöhnlich direkten Bericht darüber, wie eine unabhängige Modesprache geschaffen, wiederholt und erweitert wird. Für ihren fortlaufenden Ausdruck siehe RAW Looks’ Leitfaden zu moderner avantgardistischer Mode.