Interviews La collection d'interviews de Rick Owens

Rick Owens sur la névrose de la mode : identité, vieillissement et beauté alternative

Bella Freud’s 2024 Névrose de la mode la conversation donne à Owens la place de relier les vêtements aux sujets moins ordonnés qui l'entourent : vieillissement, présentation physique, sobriété, famille, jugement et la manière dont l'identité se fixe dans des gestes répétés. Sa déclaration concise — “ J'aime un uniforme ” — est moins un conseil de style qu'une position sur la connaissance de soi.

L'uniforme d'Owens démontre que le style personnel ne dépend pas de la nouveauté constante. Des lignes longues, des chaussures sévères, des zones du corps exposées ou compressées et une palette restreinte deviennent plus communicatives à travers la répétition. Les ajustements comptent parce que la base reste stable. Les vêtements sont utilisés pour clarifier une personne plutôt que de déguiser l'incertitude avec une consommation saisonnière.

La même logique façonne ses collections. Owens a longtemps modifié l'emplacement perçu d'une épaule, allongé la jambe avec des talons et des plateformes, exposé le torse, ou laissé le tissu tomber loin du corps. Sa propre présentation physique appartient à cette enquête. Le vieillissement n'est pas traité comme quelque chose à dissimuler, et l'attractivité n'est pas confinée à une norme polie et jeune. Sa discussion sur son père, la sobriété et les jugements que les gens portent sur les corps maintient les vêtements attachés à l'expérience vécue : l'uniforme est à la fois discipline et autoportrait.

Wagner, Porterville et imaginer quelque chose de plus grand

Dans une interview de GQ en 2013, on a demandé à Owens de nommer la musique qui le définissait. Il a choisi Wagner’s Wesendonck Lieder, se remémorant sa force lorsqu'il était jeune : “ Ça m'a fait penser à quelque chose de plus grand que là où j'étais. ” Lue à côté de ses récits ultérieurs sur son enfance à Porterville, cette phrase offre une clé utile pour la carrière qui a suivi.

Un jeune dans un environnement culturellement restrictif découvre, à travers la musique, une échelle esthétique au-delà de son entourage immédiat. Los Angeles fournit ensuite l'éducation technique et la culture d'outsider ; Paris fournit une scène publique. Au fil du temps, l'aspiration à “ quelque chose de plus grand ” devient littérale dans des intérieurs en béton, des meubles, des chaussures surélevées et des présentations monumentales sur le podium. La mode n'est pas simplement un moyen de sortir d'un endroit. C'est une méthode pour imaginer un endroit plus vaste.

L'interview se termine par un autre refus compact : “ Le style n'est pas tout. ” Owens ne rejette pas l'apparence. Il sépare la conviction de l'achat pour le plaisir d'acheter. Le style a du poids lorsqu'il suit un ensemble de valeurs établies ; sans cette nécessité, il n'est qu'une autre forme d'acquisition.

Lisez l'intégralité de l'interview de GQ de 2013.

Drapé comme écriture

En parlant en coulisses de l'automne 2016, Owens a décrit la réduction de la collection à un geste physique : “ Le drapé devient presque comme mon écriture. ” La comparaison est exacte. Une signature manuscrite reste identifiable à travers le mouvement, la pression et le rythme ; les vêtements d'Owens font de même à travers la chute du tissu autour du corps.

C'est une autorité sans dépendance à un logo visible. Biais, torsion, suspension et asymétrie créent un vocabulaire de design qui survit aux changements de couleur, de matériau et de proportion. Un vêtement peut devenir plus vaporeux ou plus armé et conserver la même main. La répétition, dans ce contexte, n'est pas un échec d'invention. C'est ainsi qu'une langue acquiert une syntaxe.

La conversation complique également la réduction routinière de Rick Owens à l'obscurité. Il qualifie la collection de plus douce, plus douce et plus optimiste. Ces qualités ne nécessitent pas qu'il abandonne la sévérité. Elles émergent à travers la transparence, le mouvement et le sentiment que les vêtements se dissolvent dans l'espace qui les entoure.

Regardez Rick Owens discuter de l'automne 2016 chez Vogue.

Au-delà de la mode : construire un monde complet

Pour comprendre Rick Owens uniquement à travers les vêtements, c'est ne voir qu'une partie du projet. Son esthétique s'étend aux meubles, à l'architecture, à l'art et aux espaces qu'il habite, souvent avec les mêmes proportions monumentales, matériaux sévères et un sens d'atmosphère hautement contrôlé que l'on trouve dans ses collections. Dans les Objets d'affection de Vogue, Owens ouvre les portes de sa maison et explique les objets qu'il a choisis pour s'entourer — des meubles et œuvres d'art aux artefacts anciens — offrant une vue inhabituellement intime de la manière dont son langage visuel existe au-delà du podium.

Rick Owens & Michèle Lamy : un partenariat créatif

Le monde créatif de Rick Owens ne peut pas être compris entièrement comme le travail d'un designer solitaire. Michèle Lamy a été entrelacée avec son développement depuis leurs années à Los Angeles, d'abord en tant qu'employeur et collaboratrice d'Owens, puis en tant que sa femme, partenaire créative et présence singulière au sein du vaste univers de Rick Owens. Leur relation est particulièrement captivante car leurs identités restent si distinctes : Owens apparaît souvent contrôlé et austère, tandis que Lamy apporte une énergie instinctive, sociale et presque rituelle au monde qu'ils ont construit autour d'eux.

L'interview de Sorbet Magazine en 2014 In Bed With offre une rare opportunité de les voir ensemble plutôt que de rencontrer Lamy simplement comme une figure dans la biographie d'Owens. L'intimité du cadre élimine une grande partie de l'échelle associée au podium de Rick Owens et révèle quelque chose de plus personnel : deux personnages hautement individuels dont les vies, environnements et pratiques créatives sont devenus profondément interconnectés.

Le corps comme architecture

Pour le printemps 2016, des femmes ont porté d'autres femmes sur le podium, leurs corps attachés ensemble de sorte que des membres projetaient de la silhouette. Owens a décrit son sujet comme “ la mode d'une manière très physique. ” La phrase compte parce que la force du spectacle provenait autant de la construction que du spectacle : un corps devenait l'extension, le soutien et le contrepoids d'un autre.

Owens a rejeté une simple lecture de bondage. Dans son récit, le travail concernait l'unité, la maternité, les femmes soutenant les familles, la résilience et la grâce sous pression. Cette interprétation ne neutralise pas l'inquiétude de l'image ; elle donne à l'inquiétude une structure. La silhouette est déformée, mais la déformation dépend de la confiance et du poids partagé.

Ici, le corps fonctionne comme une architecture. Il porte, soutient et agrandit. Le spectacle rend visible un principe déjà présent dans la coupe d'Owens : les vêtements peuvent changer les limites apparentes du corps, et les corps peuvent à leur tour devenir matériau pour une plus grande forme humaine. Cela place également la féminité dans la force, le fardeau et la dépendance mutuelle plutôt que dans la passivité décorative.

Regardez l'interview en coulisses du printemps 2016 chez Vogue.

Regarder en arrière : les femmes soutenant les femmes

La rétrospective ultérieure de Vogue sur le Meilleur spectacle de tous les temps est précieuse car Owens revisite le printemps 2016 après que la controverse immédiate soit passée. Il revient à une question de longue date : jusqu'où les vêtements peuvent-ils s'éloigner du corps ? tout en expliquant que la proposition du podium doit finalement être traduite en vêtements que les gens peuvent habiter.

Ce mouvement entre image spectaculaire et vêtement portable est central à sa pratique. Le podium peut rendre une idée monumentale, mais l'idée survit seulement si ses proportions, fermetures ou drapés peuvent être adaptés à un usage quotidien. La lecture rétrospective d'Owens montre également la mode comme une performance sociale plutôt que comme un objet scellé.

“ Aller à l'église, c'est un défilé de mode ”, dit-il. Le point n'est pas que chaque rituel est frivole. C'est que les vêtements, le toilettage, les gestes, le comportement et le contexte travaillent ensemble chaque fois que les gens construisent et communiquent la beauté. Une congrégation, une salle d'audience et un podium chorégraphient chacune des corps selon des codes partagés. Les défilés d'Owens exposent ces codes en rendant leur chorégraphie particulièrement visible.

Regarde la rétrospective complète de Vogue, Femmes soutenant les femmes.

Rick Owens et Tim Blanks : une conversation continue

Les conversations saisonnières entre Rick Owens et Tim Blanks sont mieux regardées consécutivement. Leur valeur réside moins dans l'extraction d'un slogan de l'une ou l'autre vidéo que dans l'écoute d'un designer plaçant une collection à côté d'une autre. Automne/Hiver 2017 et Printemps/Été 2017 partagent un vocabulaire de volume cérémoniel, de ligne allongée, de pureté, de protection et de formes qui semblent à la fois archaïques et spéculatives.

Owens édite continuellement ce vocabulaire. Une silhouette peut devenir plus verticale, un matériau plus souple, une référence plus médiévale ou une surface plus industrielle, mais la grammaire sous-jacente reste lisible. Chaque saison est une révision à l'intérieur d'un corps de travail continu, pas un thème détaché inventé pour remplir un calendrier.

Porterville, intolérance et beauté alternative

L'Automne/Hiver 2024 a ramené Owens à Porterville, la ville californienne où il a grandi, mais la collection a été présentée dans la maison parisienne qu'il partage avec Michèle Lamy. Le cadre a rendu le tournant autobiographique spatial : les invités entraient dans l'environnement domestique et de travail dont l'univers plus large de Rick Owens s'était développé.

Dans GQ, Owens a évoqué Porterville à travers l'intolérance qu'il y a vécue. Il a directement lié cette histoire à sa pratique esthétique : “ Quand tu peux brouiller les normes de beauté, tu peux ouvrir les esprits... ” C'est l'une de ses déclarations les plus claires sur la dimension éthique de la forme.

Des proportions exagérées, un casting non conventionnel et des corps en dehors des normes étroites de la mode de luxe sont souvent décrits comme une provocation. Owens propose quelque chose de plus précis. Une silhouette alternative peut assouplir une norme acceptée ; une fois qu'une norme devient négociable, d'autres peuvent suivre. Cela ne fait pas d'une botte plateforme ou d'un manteau gonflé une solution politique. Cela fait de l'esthétique un lieu quotidien où la tolérance peut être répétée.

L'intimité de Porterville clarifie également pourquoi l'autobiographie est devenue plus explicite dans son travail ultérieur. Les lieux, la mémoire familiale, Michèle Lamy et l'architecture de la maison ne sont pas des détails de fond. Ce sont des matériaux de travail. RAW Looks a exploré cette interdépendance des vêtements, de l'espace et de la biographie dans Rick Owens : Temple de l'Amour.

Lis l'interview de GQ sur Porterville Automne/Hiver 2024.

De Porterville à Hollywood : l'individu devient le collectif

Printemps/Été 2025, intitulé Hollywood, a inversé l'échelle de Porterville. Là où la présentation précédente était domestique, introspective et limitée par les dimensions de la maison d'Owens et Lamy, Hollywood est revenu au Palais de Tokyo avec exactement 200 participants. Dix looks ont été répétés sur vingt corps chacun, transformant le casting en composition.

La multiplication change la façon dont la répétition se lit. Un look n'est plus une proposition isolée avançant sur un podium ; il devient une unité à l'intérieur d'une structure plus grande. Différentes formes et tailles restent visibles, mais ensemble, le casting produit le monument. Owens a décrit le défi pratique comme l'accommodement de chaque type de corps tout en conservant un look reconnaissable de Rick Owens.

Cette performance collective prolonge la question posée au Printemps 2016. Quels corps la mode peut-elle rendre monumentaux, beaux ou puissants ? La réponse ici n'est pas donnée par une exception symbolique dans un casting conventionnel. L'échelle elle-même appartient aux participants. Leur mouvement coordonné transforme un public de podium en témoins d'un corps public temporaire.

La séquence de Porterville à Hollywood révèle également un mouvement de la mémoire personnelle vers la communauté : l'histoire individuelle reste la source, mais le langage visuel devient suffisamment capacieux pour que d'autres puissent l'occuper. La collection Temple Printemps/Été 2026 continuerait cette utilisation de l'eau, de l'architecture et du rituel collectif.

Lis le rapport en coulisses de GQ sur le défilé Hollywood de 200 personnes.

Pourquoi Rick Owens reste inspirant

Indépendance. Owens a construit une maison d'importance mondiale sans laisser son identité se dissoudre dans le rythme général de la mode de luxe. Les interviews montrent le côté pratique de cette indépendance : savoir quoi refuser, accepter la répétition et protéger les conditions dans lesquelles un corps de travail précis peut continuer.

Artisanat. Avant les grands espaces et les performances sur podium, il y avait la coupe de patron. Owens a été formé pour faire des patrons et a passé des années à travailler comme patronnier à Los Angeles, y compris pour Lamy. Cette histoire compte. L'autorité sculpturale des vêtements est ancrée dans une compréhension de la façon dont le tissu est coupé, équilibré et fait pour agir sur un corps.

Répétition. L'uniforme personnel et les silhouettes récurrentes sur le podium font le même argument. La répétition peut approfondir l'identité lorsqu'elle reste attentive. Une manche, une épaule, un ourlet ou un drapé est revisité parce qu'il contient encore des possibilités.

Beauté alternative. Owens propose à plusieurs reprises des corps et des proportions en dehors des idéaux de luxe conventionnels. Cela est central à sa place dans l'histoire de la mode avant-gardiste: l'expérimentation formelle devient un moyen de questionner qui est autorisé à apparaître élégant, désirable ou imposant. Pour les lecteurs nouveaux au terme, le guide de RAW Looks sur ce que signifie la mode avant-gardiste place ce défi dans un contexte plus large.

Autobiographie et discipline. Porterville, Los Angeles, Michèle Lamy, une éducation catholique, la musique, l'architecture, la physicalité et le vieillissement entrent à plusieurs reprises dans le travail. Pourtant, les interviews résistent à la tendance à romantiser Owens en tant qu'outsider purement décadent. Sous le spectacle se cachent le lever tôt, le travail technique, le montage et la discipline de maintenir un langage à travers les décennies.

Construire un monde. Rick Owens a fait plus que développer un style de mode reconnaissable. Il a progressivement créé un environnement dans lequel ses valeurs, préférences esthétiques, corps, objets, architecture, musique et communautés pouvaient coexister. Cela peut être sa leçon la plus transférable pour d'autres créatifs : un monde cohérent se construit par l'accumulation patiente de décisions liées.

La qualité la plus convaincante révélée en écoutant Owens pendant de nombreuses années est la continuité. La jeune personne qui a entendu dans Wagner la possibilité de quelque chose de plus grand a finalement rendu cet environnement plus grand tangible, puis l'a ouvert à un collectif. L'obscurité est réelle, mais l'humour, la tendresse, la vulnérabilité et un optimisme insistant sur la possibilité d'autres formes le sont aussi.

Cette page est destinée à servir d'archive évolutive. Elle sera élargie à mesure que de nouvelles interviews substantielles de Rick Owens apparaîtront. D'ici là, ces conversations offrent un enregistrement exceptionnellement direct de la façon dont un langage de mode indépendant est créé, répété et élargi. Pour son expression continue, consulte le guide de RAW Looks sur la mode avant-gardiste moderne.