Entrevistas A Coleção de Entrevistas do Rick Owens

Rick Owens sobre a Neurose da Moda: Identidade, Envelhecimento e Beleza Alternativa

Bella Freud’s 2024 Neurose da Moda a conversa dá a Owens espaço para conectar roupas com os assuntos menos organizados ao seu redor: envelhecimento, apresentação física, sobriedade, família, julgamento e a maneira como a identidade se estabelece em gestos repetidos. Sua declaração concisa—“Eu gosto de um uniforme”—é menos uma dica de estilo do que uma posição sobre autoconhecimento.

O uniforme de Owens demonstra que o estilo pessoal não depende de novidade constante. Linhas longas, calçados severos, áreas expostas ou comprimidas do corpo e uma paleta restrita se tornam mais comunicativas através da repetição. Os ajustes importam porque a base permanece estável. A roupa é usada para esclarecer uma pessoa em vez de disfarçar incertezas com consumo sazonal.

A mesma lógica molda suas coleções. Owens há muito altera a localização percebida de um ombro, estende a perna com saltos e plataformas, expõe o torso ou permite que o tecido caia do corpo. Sua própria apresentação física pertence a essa investigação. O envelhecimento não é tratado como algo a ser ocultado, e a atratividade não é confinada a uma norma polida e jovem. Sua discussão sobre seu pai, sobriedade e os julgamentos que as pessoas fazem sobre os corpos mantém as roupas ligadas à experiência vivida: o uniforme é tanto disciplina quanto autorretrato.

Wagner, Porterville e Imaginando Algo Maior

Em uma entrevista da GQ em 2013, Owens foi perguntado sobre a música que o definiu. Ele escolheu Wagner’s Wesendonck Lieder, lembrando de sua força quando era jovem: “Me fez pensar em algo maior do que onde eu estava.” Lido ao lado de seus relatos posteriores sobre crescer em Porterville, a frase oferece uma chave útil para a carreira que se seguiu.

Uma pessoa jovem em um ambiente culturalmente restritivo descobre, através da música, uma escala estética além de seus arredores imediatos. Los Angeles então fornece a educação técnica e a cultura de outsider; Paris fornece um palco público. Com o tempo, a aspiração por “algo maior” se torna literal em interiores de concreto, móveis, calçados elevados e apresentações monumentais na passarela. A moda não é apenas um caminho para sair de um lugar. É um método para imaginar um lugar mais expansivo.

A entrevista termina com outra recusa compacta: “Estilo não é tudo.” Owens não está descartando a aparência. Ele está separando convicção de compras por si só. O estilo tem força quando segue um conjunto estabelecido de valores; sem essa necessidade, é apenas outra forma de aquisição.

Leia a entrevista completa da GQ de 2013.

Drapear como Caligrafia

Falando nos bastidores sobre o Outono de 2016, Owens descreveu a redução da coleção a um gesto físico: “O drapeado quase se torna como minha caligrafia.” A comparação é exata. Uma assinatura manuscrita permanece identificável através do movimento, pressão e ritmo; as roupas de Owens fazem o mesmo através da queda do tecido ao redor do corpo.

Esta é a autoria sem dependência de um logo visível. Viés, torção, suspensão e assimetria criam um vocabulário de design que sobrevive a mudanças de cor, material e proporção. Uma peça pode se tornar mais vaporosa ou mais armada e ainda manter a mesma mão. A repetição, neste contexto, não é uma falha de invenção. É como uma linguagem ganha sintaxe.

A conversa também complica a redução rotineira de Rick Owens à escuridão. Ele chama a coleção de mais suave, gentil e otimista. Essas qualidades não exigem que ele abandone a severidade. Elas emergem através da transparência, movimento e a sensação de que as roupas estão se dissolvendo no espaço ao seu redor.

Assista Rick Owens discutir o Outono de 2016 na Vogue.

Além da Moda: Construindo um Mundo Completo

Para entender Rick Owens apenas através das roupas é ver apenas parte do projeto. Sua estética se estende a móveis, arquitetura, arte e os espaços que habita, muitas vezes com as mesmas proporções monumentais, materiais severos e um senso altamente controlado de atmosfera encontrados em suas coleções. Em Objetos de Afeto da Vogue, Owens abre as portas de sua casa e explica os objetos que escolheu para se cercar — de móveis e obras de arte a artefatos antigos — oferecendo uma visão incomumente íntima de como sua linguagem visual existe além da passarela.

Rick Owens & Michèle Lamy: Uma Parceria Criativa

O mundo criativo de Rick Owens não pode ser entendido inteiramente como o trabalho de um designer solitário. Michèle Lamy esteve entrelaçada com seu desenvolvimento desde seus anos em Los Angeles, primeiro como empregadora e colaboradora de Owens e depois como sua esposa, parceira criativa e uma presença singular dentro do universo mais amplo de Rick Owens. Seu relacionamento é particularmente envolvente porque suas identidades permanecem tão distintas: Owens muitas vezes parece controlado e austero, enquanto Lamy traz uma energia instintiva, social e quase ritualística para o mundo que eles construíram ao redor deles.

A entrevista de 2014 da Sorbet Magazine In Bed With oferece uma rara oportunidade de ver os dois juntos em vez de encontrar Lamy meramente como uma figura na biografia de Owens. A intimidade do cenário remove muito da escala associada à passarela de Rick Owens e revela algo mais pessoal: dois personagens altamente individuais cujas vidas, ambientes e práticas criativas se tornaram profundamente interconectadas.

O Corpo como Arquitetura

Para a Primavera de 2016, mulheres carregaram outras mulheres pela passarela, seus corpos amarrados juntos de modo que membros projetassem da silhueta. Owens descreveu seu assunto como “moda de uma maneira muito física.” A frase importa porque a força do show veio da construção tanto quanto do espetáculo: um corpo se tornou a extensão, suporte e contrapeso de outro.

Owens rejeitou uma leitura simples de bondage. Em seu relato, o trabalho dizia respeito à unidade, à maternidade, mulheres apoiando famílias, resiliência e graça sob pressão. Essa interpretação não neutraliza o desconforto da imagem; dá estrutura ao desconforto. A silhueta é distorcida, mas a distorção depende de confiança e peso compartilhado.

Aqui o corpo opera como arquitetura. Ele carrega, sustenta e amplia. O show torna visível um princípio já presente no corte de Owens: as roupas podem mudar os limites aparentes do corpo, e os corpos podem, por sua vez, se tornar material para uma forma humana maior. Também coloca a feminilidade na força, fardo e dependência mútua em vez de passividade decorativa.

Assista à entrevista nos bastidores da Primavera de 2016 na Vogue.

Olhando para Trás: Mulheres Apoiam Mulheres

A retrospectiva posterior da Vogue sobre o Melhor Show de Todos os Tempos é valiosa porque Owens revisita a Primavera de 2016 após a controvérsia imediata ter passado. Ele retorna a uma questão de longa data—quão longe as roupas podem se estender do corpo—enquanto também explica que a proposta da passarela deve eventualmente ser traduzida em roupas que as pessoas possam habitar.

Esse movimento entre imagem espetacular e peça vestível é central para sua prática. A passarela pode tornar uma ideia monumental, mas a ideia sobrevive apenas se suas proporções, fechos ou drapeados puderem ser editados para uso cotidiano. A leitura retrospectiva de Owens também mostra a moda como uma performance social em vez de um objeto selado.

“Going to church is a fashion show,” he says. The point is not that every ritual is frivolous. It is that clothing, grooming, gesture, behaviour and context work together whenever people construct and communicate beauty. A congregation, a courtroom and a runway each choreograph bodies according to shared codes. Owens’s shows expose those codes by making their choreography unusually visible.

Watch the full Vogue retrospective, Women Supporting Women.

Rick Owens e Tim Blanks: Uma Conversa Contínua

The seasonal conversations between Rick Owens and Tim Blanks are best watched consecutively. Their value lies less in extracting a slogan from either video than in hearing a designer place one collection beside another. Autumn/Winter 2017 and Spring/Summer 2017 share a vocabulary of ceremonial volume, elongated line, purity, protection and forms that appear at once archaic and speculative.

Owens continually edits this vocabulary. A silhouette may become more vertical, a material more yielding, a reference more medieval or a surface more industrial, yet the underlying grammar remains legible. Each season is a revision inside a continuing body of work, not a detached theme invented to fill a calendar.

Porterville, Intolerância e Beleza Alternativa

Fall/Winter 2024 brought Owens back to Porterville, the California town where he grew up, but the collection was shown inside the Paris home he shares with Michèle Lamy. The setting made the autobiographical turn spatial: guests entered the domestic and working environment from which the broader Rick Owens universe had developed.

In GQ, Owens remembered Porterville through the intolerance he experienced there. He connected that history directly to his aesthetic practice: “When you can blur the standards of beauty, you can open up minds…” It is one of his clearest statements about the ethical dimension of form.

Exaggerated proportions, unconventional casting and bodies outside luxury fashion’s narrow defaults are often described as provocation. Owens proposes something more exact. An alternative silhouette can loosen an accepted standard; once one standard becomes negotiable, others may follow. This does not make a platform boot or inflated coat a political solution. It makes aesthetics a daily site where tolerance can be rehearsed.

The intimacy of Porterville also clarifies why autobiography has become more explicit in his later work. Places, family memory, Michèle Lamy and the architecture of home are not background details. They are working material. RAW Looks explored this interdependence of clothes, space and biography in Rick Owens: Temple of Love.

Read GQ’s Fall/Winter 2024 Porterville interview.

De Porterville a Hollywood: O Individual se Torna o Coletivo

Spring/Summer 2025, titled Hollywood, reversed Porterville’s scale. Where the earlier presentation was domestic, inward-looking and restricted by the dimensions of Owens and Lamy’s home, Hollywood returned to the Palais de Tokyo with exactly 200 participants. Ten looks were repeated across twenty bodies each, transforming casting into composition.

The multiplication changes how repetition reads. A look is no longer an isolated proposition advancing down a runway; it becomes a unit inside a larger structure. Different shapes and sizes remain visible, but together the cast produces the monument. Owens described the practical challenge as accommodating every body type while retaining a recognisable Rick Owens look.

This collective performance extends the question posed in Spring 2016. Which bodies may fashion render monumental, beautiful or powerful? The answer here is not delivered through a token exception within conventional casting. Scale itself belongs to the participants. Their coordinated movement turns a runway audience into witnesses to a temporary public body.

The sequence from Porterville to Hollywood also reveals a movement from personal memory toward community: the individual history remains the source, but the visual language becomes capacious enough for others to occupy it. The Spring/Summer 2026 Temple collection would continue this use of water, architecture and collective ritual.

Read GQ’s backstage report on the 200-person Hollywood show.

Por que Rick Owens Continua Inspirando

Independence. Owens has built a globally significant house without allowing its identity to dissolve into the general rhythm of luxury fashion. The interviews show the practical side of that independence: knowing what to refuse, accepting repetition and protecting the conditions in which a precise body of work can continue.

Craft. Before the grand spaces and runway performances, there was pattern cutting. Owens trained to make patterns and spent years working as a patternmaker in Los Angeles, including for Lamy. That history matters. The sculptural authority of the clothes is grounded in an understanding of how fabric is cut, balanced and made to act on a body.

Repetition. The personal uniform and recurring runway silhouettes make the same argument. Repetition can deepen identity when it remains attentive. A sleeve, shoulder, hem or drape is returned to because it still contains possibilities.

Alternative beauty. Owens repeatedly proposes bodies and proportions outside conventional luxury ideals. This is central to his place in the history of avant-garde fashion: formal experiment becomes a way to question who is permitted to appear elegant, desirable or commanding. For readers new to the term, RAW Looks’ guide to what avant-garde fashion means places that challenge in a wider context.

Autobiography and discipline. Porterville, Los Angeles, Michèle Lamy, a Catholic upbringing, music, architecture, physicality and aging repeatedly enter the work. Yet the interviews resist romanticising Owens as a purely decadent outsider. Beneath the spectacle is early rising, technical labour, editing and the discipline of maintaining a language across decades.

Constructing a world. Rick Owens did more than develop a recognisable fashion style. He gradually created an environment in which his values, aesthetic preferences, bodies, objects, architecture, music and communities could coexist. That may be his most transferable lesson for other creative people: a coherent world is built through the patient accumulation of related decisions.

The most compelling quality revealed by listening to Owens over many years is continuity. The young person who heard in Wagner the possibility of something larger eventually made that larger environment tangible, then opened it to a collective. The darkness is real, but so are humour, tenderness, vulnerability and an insistent optimism about the possibility of other forms.

This page is intended as an evolving archive. It will be expanded as substantial new Rick Owens interviews appear. Until then, these conversations offer an unusually direct record of how an independent fashion language is made, repeated and enlarged. For its continuing expression, see RAW Looks’ guide to modern avant-garde fashion.