파리에서의 일본 패션 혁명

1981년 4월: “히로시마 시크” 충격과 미디어 반발

Chambre Syndicale de la Haute Couture 파리의 드레스메이킹은 엄격한 건축적 교리에 의해 지배되었다: 의복은 인간 해부학을 조각하고, 조여주며, 이상화해야 했다. 의복은 몸에서 바깥쪽으로 만들어졌으며, 뻣뻣한 속옷, 뼈가 있는 코르셋, 가슴 다트, 그리고 패딩된 엉덩이를 사용하여 부르주아 사치의 과장된 유럽 중심적 비전을 생산했다., 이 폐쇄적인 프랑스 요새에서 처음으로 중요한 균열이 나타난 것은 1960년대 후반과 1970년대였다. 하나에 모리는 1977년 Chambre Syndicale에 아시아 최초의 회원으로 가입하여 섬세한 실크 기모노 프린트와 나비 모티프를 고전적인 꾸뛰르 실루엣에 도입했다. 동시에, 켄조 타카다는 도쿄의 분카 패션 대학을 졸업하고 1965년에 파리에 도착했다. 1970년, 켄조는 그의 부티크.

정글 재프 를 갤러리 비비엔에 열어, 프랑스 프레타포르테 일정에 활기찬 꽃무늬 민속 프린트, 오버사이즈 암홀, 그리고 뻣뻣한 파리의 형식을 해체하는 유동적인 농민 튜닉을 추가했다. 하지만 켄조와 모리는 주로 프랑스 패션의 환영받는 상업적 매개변수 내에서 작업했다. 서구 존재론 자체에 도전할 심오한 철학적이고 건축적인 공격은 이세이 미야케, 레이 카와쿠보, 그리고.

이세이 미야케는 도쿄의 타마 미술대학에서 그래픽 디자인을 전공한 후, 파리에서 기 라로슈와 위베르 드 지방시에게 수련했다. 그는 1968년 5월 파리에서의 학생 시위를 직접 목격했다. 정치적 격변은 미야케에게 패션의 미래가 부유한 부르주아를 위한 엘리트 저녁 드레스를 만드는 것이 아니라, 일상 시민을 위한 민주적이고 인체공학적이며 기술적으로 진보된 의류를 디자인하는 데 있음을 확신시켰다. 야마모토 요지.

이세이 미야케: 주름의 건축과 “천의 조각”

1970년 도쿄에 미야케 디자인 스튜디오를 설립하고, 1973년 첫 파리 컬렉션을 선보였다. 미야케의 혁신적인 기여는.

A-POC (천의 조각) 이라는 기본 개념에 중심을 두었다. 그는 직물 시트에서 별도의 패턴 조각을 잘라내고 해부학적 마네킹 주위에 재단하는 대신, 미야케는 물었다:. 몸과 그 주변 공간, 그리고 하나의 연속적인 섬유 사이의 관계는 무엇인가? 그의 획기적인 혁신은 수십 년에 걸친 끊임없는 섬유 공학을 아우르며:

하이브리드 장인 공학:

• 미야케는 일본의 사라져가는 공예 전통(예: 시보리 타이 다이, 인디고 염색, 그리고 종이-천 시후 직조)을 컴퓨터 기반 합성 직기로 연결했다. 사시코와 작업복:.
• 1971년, 그는 전통적인 일본 유도 사시코 스티칭을 현대 코트에 통합하여, 국제 런웨이에서 일본 노동계급 섬유 유산을 정당화했다. 플리츠 플리즈 (1993):.
• 미야케는 원단을 자르기 전에 주름을 잡는 대신, 오버사이즈 폴리에스터 의류를 먼저 자르고 꿰매는 특허 기술을 개발한 다음, 종이 사이에 열 프레스를 통과시켰다. 그 결과 생성된 아코디언 주름은 영구적인 기억을 가진 의류를 만들어냈다: 가벼우며, 세탁 가능하고, 주름이 없으며, 어떤 인체에도 동적으로 확장할 수 있다. 미야케는 몸을 장식하지 않았다; 그는 움직이는 자율적 건축 환경을 설계했다.

1981년 4월, 파리 가을/겨울 프레타포르테 발표 중, 레이 카와쿠보(1969년 도쿄에서 꼼데가르송 설립)와 요지 야마모토(1972년 Y's 라벨을 설립)가 인터컨티넨탈 호텔에서 공동 런웨이 쇼를 선보였다. 이 발표는 글로벌 문화 경관을 통해 파급 효과를 일으켰다.

구조적 혁신: 평면 패턴 드래프팅 대 서구 조각

1980년대 파워 드레싱—넓은 패드 어깨, 꽉 끼는 금속 라메, 생생한 네온 팔레트, 그리고 스틸레토 힐—에 취해 있는 파리와 밀라노의 런웨이에서, 카와쿠보와 야마모토는 머리가 평평하게 기름칠되거나 거칠게 뒤로 쓸려진 모델들을 선보였고, 평평한 전투 부츠를 신고, 화장 없이, 과장된 검은색 의류에 감싸여 있었으며, 거칠게 찢어진 구멍과 헐거운 가장자리, 비대칭의 밑단으로 장식되어 있었다.

서구 패션 언론은 본능적인 적대감과 도덕적 공황으로 반응했다:.

저명한 프랑스 및 앵글로-아메리칸 비평가들은 이 작품을

• “포스트 히로시마 시크” “라고 명명하며, 디자이너들이 핵 파괴와 빈곤을 낭만화하고 있다고 비난했다.”, 주류 출판물은 컬렉션을 “가방 아줌마 룩” 또는 “난민 스타일”이라고 명명하며, 일본 패션이 여성의 우아함과 에로틱한 매력을 없애려 한다고 선언했다.
• 소매 바이어들은 혼란스러워했다: 바이어들은 전통적인 암홀을 찾을 수 없었고, 표준 사이징 태그가 없었으며, 의류는 인식 가능한 앞면이나 뒷면 패널이 없었다.
• 그럼에도 불구하고 진보적인 이론가, 큐레이터, 아방가르드 소비자들은 카와쿠보와 야마모토가 패션의 백년 된 제국주의적 마법을 깨뜨렸다는 것을 인식했다. 몇 달 안에 그들의 단색의 해체된 실루엣은 런던, 뉴욕, 파리에서 지적 저항의 결정적인 유니폼이 되었다.

요지 야마모토, 드레이프 저녁 드레스, 1998. 사진 제공: ellenm1, 위키미디어 커먼스, CC BY 2.0. 여성의 몸을 층이 있는 비대칭 검은 주름으로 감싸며, 야마모토는 서구 저녁복의 성적이고 과장된 시선을 거부하는 시적인 갑옷을 만들었다.

철학적 기초: 와비사비, 마, 그리고 단색의 검정

와비사비 (侘寂):

• 와비사비 (侘寂): 일시성과 불완전함을 받아들이는 세계관. 고전 일본 미학에서 진정한 아름다움은 대칭적이고 결점 없는 기하학(고전 그리스-로마 이상)에 있지 않고, 금이 간 도자기 컵, 풍화된 나무, 그리고 가장자리가 처리되지 않은, 표백되지 않은 천에 있다. 가와쿠보의 해진 니트웨어와 야마모토의 구겨진 원단은 부패와 인간의 마모의 시를 포용했다.
• 마 (間): 부정적인 공간 또는 임신한 공허의 개념. 서양의 패턴 제작에서 의류는 피부에 밀착되며, 원단과 살 사이의 공간은 재단의 결함으로 여겨진다. 일본 사상에서, 마 은 의복과 몸 사이의 살아있는 공간으로, 공기, 움직임, 빛이 상호작용하는 곳이다. 이 공허를 확장함으로써 일본 의복은 몸에 운동의 해방을 부여했다.
• 유겐 (幽玄)과 쿠로 (黒): 미세한 우아함과 깊은 신비. 수세기 동안 검정색은 서양 의복에서 애도 의식, 성직자 로브, 또는 엄격한 정장에 국한되었다. 야마모토와 가와쿠보는 검정색을 색의 결핍이 아닌 무한한 질감의 팔레트로 되찾았다—숯 염색, 인디고 세탁, 양모 트윌, 그리고 생면을 통해 얻은 서른 가지 검정색의 차이를 구별했다. 야마모토가 유명하게 말했듯이: “검정은 동시에 겸손하고 오만하다. 검정은 게으르고 쉽지만—신비롭다. 그러나 무엇보다 검정은 이렇게 말한다: ‘나는 너를 방해하지 않아—너도 나를 방해하지 마.'”

지속적인 유산: 앤트워프 식스, 어두운 아방가르드, 그리고 현대적 공명

일본 혁명의 기술적 핵심은 서양의 3차원 재단을 타협 없이 거부하는 데 있었다:

• 2차원 평면: 전통적인 기모노 구조에서 파생된 일본 의복은 조각된 몸통 세그먼트가 아닌 평면 직사각형으로 설계되었다. 테이블에 평평하게 놓였을 때, 가와쿠보 재킷은 추상적인 기하학적 캔버스를 닮았고; 인간의 몸통에 걸쳤을 때만 원단은 무너지고, 모이고, 3차원 정체성을 확립했다.
• 의도적인 비대칭: 전통 유럽 재단은 양측 대칭을 주장했다: 왼쪽과 오른쪽 라펠, 주머니, 소매 길이는 서로 정확히 반사되어야 했다. 야마모토와 가와쿠보는 이 교리를 체계적으로 파괴하며, 왼쪽 엉덩이에 단일 거대한 벨로우스 주머니를 배치하거나, 한 소매를 다른 소매보다 3인치 더 길게 자르거나, 버튼 플래킷을 갈비뼈를 가로질러 비스듬히 자르는 등의 방식으로 이뤄졌다.
• 성별 코드의 전복: 야마모토는 남성복 원단—무거운 가바딘, 트위드, 정장용 울—을 사용하여 여성 의복을 제작하며, 오버사이즈 남성 코트를 입은 여성이 조여진 성적 부르주아 저녁복을 입은 여성보다 무한히 더 매력적이고 보호받는다고 주장했다.
• 기계적 파괴: 가와쿠보는 초기 컬렉션에서 산업 니트 기계의 나사를 느슨하게 하여 셔틀이 임의로 스티치를 пропускать 하도록 강요하며, 현대 산업 기계가 예측할 수 없는 손으로 짠 불규칙성을 생성하도록 했다.

100년 이상 동안, 파리는 글로벌 패션 권위에 대한 도전받지 않는 독점을 유지했다. 하우트 꾸뛰르의 제도적 헤게모니 아래에서

일본의 파리 돌파구는 국제 패션의 궤적을 영구적으로 변화시켰다. 비서구 디자이너들이 글로벌 꾸뛰르의 중심에 진입하고, 그 기초 코드를 해체하며, 비평적으로나 상업적으로 성공할 수 있음을 증명함으로써, 일본의 선구자들은 후속 세대의 급진적 사상가들을 위한 길을 열었다:

• 안트워프 세대: 마르탱 마르지엘라와 같은 디자이너들은 1980년대 초 파리의 꼼데가르송과 요지 야마모토 쇼를 그들이 벨기에 해체주의를 형성할 수 있도록 힘을 준 주요 촉매로 언급했다., Ann Demeulemeester, 어두운 아방가르드 & 장인 재단:.
• 현대의 거장들인 (Carpe Diem)은 장인 천, 구조적 정직성, 그리고 타협 없는 검정색 팔레트에 대한 경의를 가와쿠보, 야마모토, 그리고 미야케가 세운 선례로 직접 추적한다. Carol Christian Poell, 마우리치오 알티에리 공간 현대주의:, Boris Bidjan Saberi, 그리고 Geoffrey B. Small 릭 오웬스의 드롭 크로치 건축 드레이프에서 질 샌더와 피비 필로의 미니멀리스트 볼륨에 이르기까지, 의복 건축의 해방은 과도하게 성적화된 신체 윤곽에서 벗어나는 일본 혁명의 지속적인 선물이다.
• 파리 데뷔 40년이 넘은 후, 일본 아방가르드는 의복이 단순히 사회적 순응이나 계절적 소비를 위한 도구가 아님을 증명했다: 그것은 지적 규율이며, 자아와 세계 사이의 공간에 대한 철학적 탐구이며, 영적 보호의 지속적인 예술 형식이다. 메트로폴리탄 미술관 / 예일 대학교 출판부 — 레이 가와쿠보 / 꼼데가르송: 사이의 예술.

교토 의상 연구소 / 메렐 출판사 — 미래의 아름다움: 일본 패션 30년.