아방가르드 패션 스타일: 특징과 예시

아방가르드 패션 스타일을 정의하는 것은 무엇일까?

아방가르드 패션은 종종 몇 가지 보이는 코드—검정색, 비대칭, 드레이프, 오버사이즈 재단—를 통해 설명되지만, 이러한 코드는 정의라기보다는 결과물이다. 스타일은 제안으로 시작된다. 디자이너는 코트가 어깨를 따라야 하는지, 드레스가 이상화된 인물을 돋보이게 해야 하는지, 보통 숨겨진 안감이 외부가 될 수 있는지, 혹은 옷이 착용자가 움직일 때 변할 수 있는지를 물을 수 있다. 컷, 천, 프레젠테이션이 그 질문에 물리적인 답을 준다.

이 구분은 중요하다. 왜냐하면 비전통적인 의상이 자동으로 아방가르드가 아니기 때문이다. 새로움은 장식적일 수 있지만, 아방가르드 작업은 의상이 이해되는 방식을 변화시킨다. 2017년 레이 카와쿠보 전시에서 메트로폴리탄 미술관은 Comme des Garçons 해결되지 않은 쌍—패션과 안티패션, 객체와 주체, 옷과 “옷이 아닌 것들”—주변에서 조직했다. 그 언어는 이 분야의 중심 특성을 포착한다: 그것은 확립된 범주 사이에서 작동하며 그 한계를 드러낸다.

실루엣, 부피와 비율

실루엣은 실험의 첫 번째이자 가장 읽기 쉬운 분야다. 전통적인 서양 재단은 몸을 명확히 하는 경향이 있다: 어깨, 허리, 가슴, 엉덩이가 인식 가능한 윤곽으로 조직된다. 아방가르드 디자인은 그 윤곽을 과장하거나, 천을 분리하거나, 아예 억제할 수 있다. 떨어진 어깨는 몸통과 소매 사이의 경계를 흐리게 하고, 길어진 앞면은 겉보기 중심을 이동시키며, 코쿤 형태는 몸 주위에 보호 공간을 만든다; 비대칭 패널은 모든 시점에서 윤곽을 변화시킨다.

부피는 단순히 더 큰 사이즈를 선택하는 것과 동의어가 아니다. 패턴 조각, 내부 지지대, 주름, 거셋, 주름 및 섬유 방향을 통해 설계된다. 레이 카와쿠보의 작업은 피부와 천 사이의 공간을 능동적인 물질로 반복적으로 다룬다. 몸과 드레스—드레스와 몸이 만나다 (봄/여름 1997), 패딩은 단순히 익숙한 해부학적 곡선을 확대하기보다는 그것을 이동시켰다.

보이는 언어로서의 구성

전통적인 의상에서는 기술적 노동이 자주 숨겨진다. 솔기 여유, 캔버스, 인터페이싱, 다트 및 임시 표시가 다듬어진 껍질 안에 있다. 아방가르드 디자이너는 종종 그 계층을 뒤집는다. 노출된 솔기, 외부 다트, 매달린 실, 거친 가장자리, 이동된 잠금장치 및 보이는 안감은 착용자가 의상의 조립을 읽을 수 있게 한다. 이러한 세부 사항은 미완성처럼 보일 수 있지만, 가장 강력한 예는 정확한 통제를 요구한다: 거친 가장자리는 올바르게 떨어져야 하고, 비대칭 클로저는 무게를 균형 잡아야 하며, 뒤집힌 재킷은 여전히 옷처럼 움직여야 한다.

마르탱 마르지엘라 이 분석적 접근을 그의 실천의 중심으로 만들었다. 모무는 메종이 안감, 솔기, 오버록 스티치 및 어깨 패드를 드러내어 패션이 일반적으로 숨기는 것을 노출하는 방식을 설명한다. 재구성은 주장을 확장했다. 빈티지 장갑은 탑이 될 수 있고; 확대된 패턴은 익숙한 원형을 낯설게 할 수 있으며; 나이와 이전 사용의 흔적은 수정되지 않고 보이게 남을 수 있다. 그 결과는 스펙타클을 위한 파괴가 아니라 저자성, 노동, 가치 및 패션의 지속적인 새로움에 대한 면밀한 독서였다.

다른 반복적인 방법으로는 모듈 패널, 분리 가능한 요소, 미완성에서 완성으로의 전환, 비정상적인 절단 및 여러 구성을 허용하는 의상이 포함된다. 따라서 탈구성은 조용할 수 있다. 겉보기에는 절제된 코트가 아방가르드일 수 있는 이유는 소매가 팔 주위를 회전하고, 클로저가 앞면을 재조직하며, 내부 구조가 의도적으로 제거되었기 때문이다.

재료, 질감과 표면

아방가르드 패션은 물질적 행동을 가시화한다. 세탁된 양모는 바삭한 펠트와 다르게 무너지고; 비스 컷 저지는 자신의 무게 아래에서 길어진다; 말가죽은 주름과 마모를 기록하고; 반투명 오간자 층은 시각적 질량을 추가하지 않고 색상을 쌓는다. 디자이너는 외관뿐만 아니라 의상이 할 수 있는 것에 따라 천을 선택한다.

질감은 특히 단색 의상에서 중요하다. 여기서 빛은 색조보다 한 평면을 다른 평면과 구분한다. 매트 양모는 그것을 흡수하고, 광택 있는 가죽은 그것을 되돌리며, 코팅된 면은 미네랄 광택을 만들고, 얇은 천은 겹치는 층을 통해 어둠이 쌓이게 한다. 의류 염색, 물체 염색, 왁싱, 손상 및 손으로 그리기와 같은 처리 방법은 표면을 구성과 분리할 수 없게 만든다. 불규칙성은 의도적으로 유지될 수 있다: 산화, 흉터, 고르지 않은 색소 및 거친 가장자리는 시간, 접촉 및 제조를 기록한다.

기술 혁신은 똑같이 급진적일 수 있다. 미야케의 영구 주름 연구는 조각적 리듬을 세탁 가능성과 움직임의 자유와 결합했다. 후세인 샬라얀은 공학적 변형을 사용하여 의상을 가구, 건축 및 이주와 연결했다. 아이리스 반 헤르펜의 과학자, 건축가 및 디지털 제작자와의 협업은 고급 패션을 전통적인 천과 패턴 절단이 생산할 수 없는 구조의 시험장으로 다룬다. 이러한 접근 방식을 통합하는 것은 자연적 또는 합성 물질에 대한 선호가 아니라 물질을 주장을 위한 도구로 사용하는 것이다.

색상, 검정색과 통제된 대비

검정색은 1980년대 초 일본의 파리 개입 동안 아방가르드 패션의 가장 인식 가능한 언어 중 하나가 되었다. 그것은 산만함을 줄이고, 실루엣과 질감을 증폭시키며, 그 시대의 세련된 화려함에 대한 기대를 거부했다. 메트는 카와쿠보의 주로 검정색 팔레트를 무, 또는 공허함과 연결하며, V&A는 요지 야마모토의 전통 의상에 대한 지속적인 도전을 뚜렷하게 개인적인 아방가르드 실천을 통해 설명한다.

하지만 검정색은 필수적이지도 중립적이지도 않다. 카와쿠보는 포화된 빨강, 타탄, 꽃무늬 및 합성 색상을 사용했으며; 이세이 미야케는 광학적 강도로 색채 주름을 개발했다; 발터 반 베이렌돈크는 대립을 생생하게 만들었다. 단색 팔레트는 구성을 명확히 할 수 있지만, 색상은 미적 취향, 성별, 계급 또는 역사적 시기의 연관성을 방해함으로써 동일한 비판적 작업을 수행할 수 있다. 실용적인 질문은 “검정색인가?”가 아니라 “색상이 무엇을 하고 있는가?”이다.”

움직임, 몸과 성별

의상은 몸에 의해 완성되기 때문에 아방가르드 스타일은 종종 해부학과 드레스 간의 관계를 변화시킨다. 의상은 인물을 보호하고, 드러내고, 방해하고, 확장하거나 시각적으로 대체할 수 있다. 일부 작품은 몸 주위의 객체처럼 작동하고; 다른 작품은 걷고, 접고, 반복적으로 착용함으로써만 의미가 생긴다. 이것이 정지된 이미지가 실험적인 의상을 잘못 표현할 수 있는 이유다: 넓은 바지가 착용자가 움직일 때 정확한 리듬으로 해결될 수 있다.

변형된 비율은 성별 규범을 불안정하게 만든다. 직선적이고 길어진 재단은 전통적으로 강조된 허리를 거부할 수 있으며; 스커트는 성별 표지가 아닌 공간적 형태로 접근할 수 있다; 부드러운 드레이프는 무거운 부츠와 산업 하드웨어와 공존할 수 있다. 이 맥락에서 안드로지니는 단일한 “유니섹스” 실루엣이 아니다. 그것은 주류 의상이 남성성 또는 여성성에 할당한 기호를 조합할 수 있는 더 넓은 자유다.

착용 가능성은 여전히 지적 문제의 일부다. 런웨이 객체는 의도적으로 일반적인 움직임에 저항할 수 있지만, 많은 아방가르드 패션은 사용을 통해 급진적이 된다: 전시보다는 여유를 제공하는 코트, 다양한 몸에 적응하는 주름 의상, 또는 착용자의 삶을 기록하는 수제 가죽 조각. 편안함과 자극은 반대가 아니다.

중요한 디자이너들과 그들의 옷이 보여주는 것들

어떤 디자이너도 전체 분야를 대표하지 않는다. 다음 예시는 유사한 시각적 특성이 매우 다른 아이디어에서 어떻게 발생할 수 있는지를 보여준다:

• 레이 카와쿠보 / 꼼데가르송 은 불균형, 결여, 패딩 및 조각적 부피를 사용하여 몸과 의상 간의 수용된 경계를 질문한다. 그녀의 작업은 실루엣이 장식이 아닌 철학적 탐구로 기능할 수 있음을 보여준다.
• 야마모토 요지 는 드레이프, 비대칭 및 관대한 재단을 통해 자유를 구축한다. 검정색은 천과 움직임 간의 관계를 명확히 하며, 겉보기 불완전함은 착용자를 위한 공간을 보존한다.
• Issey Miyake 는 산업 연구와 일상 기능을 결합한다. 영구 주름, 원피스 개념 및 경량 구조는 기술 혁신이 시각적으로 급진적이고 매우 실용적인 의상을 생산할 수 있음을 보여준다.
• 마틴 마르지엘라 / 메종 마르지엘라 는 구성을 드러내고, 전형적인 패턴을 확대하며, 사용된 재료를 회수한다. 익숙한 의상은 자신의 제조 및 역사의 증거가 된다.
• 후세인 샬라얀 은 의상을 이동하는 건축물로 다룬다. 변형된 드레스와 객체는 패션을 이동, 기억 및 기술과 연결한다.
• 아이리스 반 헤르펜 은 디지털 제작과 함께 고급 기술을 사용하여 몸 주위에 생체 구조를 구축하며, 드레스를 위한 물질적이고 기술적인 어휘를 확장한다.
• 릭 오웬스 는 길어진 비율, 의식적인 부피 및 물질적으로 강한 가죽 작업을 고립된 실험의 연속이 아닌 지속적인 현대적인 옷장으로 변환한다.

이러한 실천들은 체크리스트가 얼마나 멀리 갈 수 있는지를 증명한다. 야마모토의 부드럽고 이동 가능한 코트와 반 헤르펜의 단단한 인쇄 구조는 관련이 없어 보일 수 있지만, 둘 다 살아있는 몸 주위에 공간이 어떻게 구축되는지를 재고한다. 마르지엘라의 노출된 솔기와 미야케의 정밀하게 설계된 주름은 똑같이 다르지만, 각기 과정이 외관에 필수적이다.

스타일링보다 실체를 인식하는 방법

눈에 띄는 표면 세부 사항이 제거될 때 무엇이 변화하는지 물어보라. 패턴이 균형이나 움직임을 변화시키는가? 재료가 사치 이상의 의미를 지니는가? 디자이너의 아이디어, 의상의 구성 및 프레젠테이션 간에 일관된 관계가 있는가? 여러 각도에서 작품을 이해할 수 있는가, 아니면 오직 눈길을 끄는 정면 이미지로만 존재하는가?

아방가르드 패션은 불분명하거나 비싸거나 입기 어려울 필요는 없어. 하지만 내부 논리는 필요해. 무작위 비대칭, 불필요한 손상 또는 단색 팔레트는 실험의 외관을 모방할 수 있지만 그 규율을 받아들이지는 않아. 차이는 해상도야: 모든 비정상적인 결정은 제안에 기여해야 해.

런웨이 컨셉에서 일상적인 옷장으로

아방가르드 패션을 입는 가장 명확한 방법은 의상보다는 비율로 시작하는 거야. 구조적으로 독특한 한 가지 아이템—긴 재킷, 곡선 바지, 비대칭 니트 또는 관절이 있는 신발—이 다른 제약된 의상을 재편성할 수 있어. 그런 다음 반복이 일관성을 만들어: 관련된 볼륨, 통제된 팔레트, 시간이 지남에 따라 함께 발전하는 표면을 가진 소재들.

핏은 의상의 의도에 따라 판단해야 해. 떨어진 어깨와 늘어난 밑단은 패턴이 그에 맞춰 설계되었다면 오류가 아니야; 마찬가지로, 일반적인 의류를 여러 사이즈 크게 사는 것은 엔지니어링된 오버사이즈 실루엣을 재현하지 않아. 움직임, 주머니 위치, 소매 회전 및 잠금 장치의 위치는 볼륨이 고려되었는지를 드러내.

소재 관리도 미학의 일부야. 의도적인 주름을 자동으로 없애거나, 설계된 원단의 가장자리를 자르거나, 모든 표면 변화를 손상으로 간주하는 것을 피해. 제작자의 지침을 읽어봐, 특히 물체 염색된 조각, 접착된 직물, 처리된 가죽 및 영구 주름에 대해서는 더욱 그래.

현대적 관련성

한때 급진적이었던 많은 아이디어가 이제 주류 패션 전반에 퍼져 있어: 드러난 솔기, 오버사이즈 재단, 성별 유동적인 스타일링, 재활용 의류 및 디지털 생성 형태. 그들의 가시성이 아방가르드를 구식으로 만들지는 않아. 그것은 실험적인 작업이 드레스를 위한 가용 언어를 어떻게 확장하는지를 드러내, 그 언어가 산업에 의해 정규화되기 전에.

오늘날 더 유용한 구분은 미학적 인용과 진정한 탐구적 실천 사이야. 최전선에서 작업하는 디자이너는 새로운 조건—소재 부족, 적응하는 몸, 알고리즘 디자인, 지역 공예 또는 수리—에 대응할 수 있지만 1980년대와 1990년대와 관련된 블랙 해체와는 닮지 않아. 아방가르드 스타일은 의상이 단순히 차이를 알리는 것 이상을 할 때 살아 있어: 어려운 아이디어에 정확한 형태를 부여해.

더 넓은 정의와 역사적 틀을 위해서는 읽어봐. 아방가르드 패션이란 무엇인가?. 추가 지식 기반 에세이는 해체, 안티 패션, 소재 기법 및 개별 디자이너를 다룰 거야, RAW Looks의 주요 디자이너 및 브랜드 디렉토리.